Le 1100 puntine da disegno di Toshihiko Shibuya che spuntano come minuscoli funghi dal muschio di un ruscello

August 2, 2017

L’artista Toshihiko Shibuya ha recentemente completato “White Generation 2” una complessa e poetica installazione nel cuore di un incontaminato bosco giapponese.

Minimale e fragile, la scultura di Toshihiko Shibuya è composta da 1100 puntine da disegno bianche a testa tonda, posizionate a mano. Tre metri in altezza per 25 di lunghezza, si dipana sul muschio dei rami caduti in un ruscello della foresta di Hobetsu, nella parte centro meridionale dell’isola di Hokkaido.

L’opera è il seguito della monumentale installazione “White Generation”, realizzata dall’artista nella metropolitana di Sapporo. Ma se nel primo caso le puntine da disegno ricordavano cellule e muffe, calate nell’ambiente naturale fanno pensare a minuscoli funghi, bozzoli, lucciole. Come se il semplice fatto di inserirle in un bosco, assecondando le movenze frastagliate e sinuose del paesaggio, avesse fatto automaticamente avanzare l’orologio evolutivo.

E soprattutto, a differenza della prima scultura, “White Generation 2” fa lavoro di squadra con l’ambiente circostante (come nel caso della serie “Snow Pallet” di cui ho parlato qui e qui).

“Se pioverà forte, qualche pezzo vicino alla superficie dell’acqua sarà sommerso- spiega Toshihiko Shibuya- In questo caso la vista del ruscello trasmetterà la memoria di violenti temporali estivi. Credo che sia importante godersi lo spettacolo dell’acqua che si alza o si abbassa ed essere in grado di percepire i mutamenti del paesaggio giorno dopo giorno”.

Profondamente legato all’estetica giapponese il lavoro di Toshihiko Shibuya si iscrive nel solco della Land Art ed è caratterizzato da interventi minimali. “White Generation 2” evoca il cocciuto germinare ed espandersi della vita e ricorda lo scorrere ciclico del tempo.

Ad inserire questo concetto in una dimensione più ampia di sicuro concorre il fatto che Hobetsu si trova in un’area nota per i reperti fossili e che a renderla famosa è stato il ritrovamento di uno scheletro di dinosauro particolarmente integro e ben conservato.

L’installazione è stata realizzata nell’ambito della mostra a cielo aperto Ponpetsu Art Fort 2017 che inaugurerà sabato prossimo (fino al 20 agosto).

Borondo che con vetro, pittura e luce si è inventato la street-art che si muove e cambia aspetto

July 28, 2017

Gonzalo Borondo, "Aria", Festival Altrove4, Photo: ©AngeloJaroszukBogasz

Lo street-artist spagnolo Gonzalo Borondo non usa tecnologie o processi meccanici solo pittura e installazione ma riesce a far muovere le sue sculture. Gli bastano vetro e luce. Un po’ per il suo stile pittorico e un po’ perché usa lastre dipinte in sequenza ma il risultato fa pensare alla cronofotografia ottocentesca e agli esperimenti pionieristici d Eadweard Muybridge.

Con la luce artificiale in ambienti chiusi i fotogrammi scorrono piuttosto veloci come nei primi esperimenti dei precursori del cinema, mentre con quella naturale, all’aperto, le figure dipinte in sequenza sembrano spostarsi appena e non sempre, ma compensano quest’incertezza con la capacità di assorbire il paesaggio circostante e cambiare aspetto a seconda dell’ora del giorno.

Gonzalo Borondo ha lavorato parecchio in Italia. E’ dell’anno scorso a Roma, infatti, l’installazione ‘Ubiquitas’ in cui una donna dipinta su diverse lastre di vetro sembrava incedere come una modella in passerella, salvo poi moltiplicarsi e ballare.

Quest’anno a Catanzaro in occasione del festival di street-art “Altrove” ha realizzato “Aria” un’installazione monumentale composta da ben 185 vetri serigrafati (ognuna delle 73 figure che si sono formate accostandoli è stata poi completata a mano). L’opera, collocata all’aperto, nello storico e scenografico Complesso Monumentale di San Giovanni, gioca con il paesaggio e con la mutevolezza delle luci. La sequenza di lastre di vetro in questo caso, non è posta in linea retta, per meglio raggiungere l’obbiettivo.

Oltre a Gonzalo Borondo alla quarta edizione di “Altrove” hanno partecipato il francese 3ttman, l’argentino Jorge Pomar (Amor), gli italiani Ciredz e Andreco.

“Altrove” si è concluso ma resta possibile sostenere il festival comprando le creazioni dello street-artist sul loro shop. Oppure seguire Borondo sui suoi account Youtube e Facebook.

Gonzalo Borondo, "Ubiquitas", Paradizo Inclinato (Ex Dogana, Roma), Photo: Fabiano Caputo

“La Foresta dove vivono gli Dei”: Teamlab da vita a fiori, alberi e rocce nel parco Mifuneyama Rakuen

July 27, 2017

Teamlab. "Resonating Forest - Cherry Blossoms and Maple"

Il collettivo giapponese di artisti designers ma anche programmatori ed ingegneri Teamlab (famoso in Italia per il padiglione Giappone di Expo 2015) quest’estate firma “A Forest where Gods live” (fino al 9 ottobre), un’esposizione monumentale e scenografica in cui i confini tra arte e natura vengono meno.
“A Forest where Gods live” consiste in 14 grandi opere digitali interattive disseminate nei 500 metri quadri di boschi e sentieri del Mifuneyama Rakuen Park nella prefettura di Saga.

Il parco, al cui centro si erge la montagna di Mifuneyama, è stato creato 172 anni fa ed è caratterizzato da un fondersi dell’area curata dei giardini con la foresta selvaggia. Al suo interno un albero di canfora di 300 anni.

Il progetto eseguito da Teamlab per realizzare “A Forest where Gods live” è chiamato “Digitized Nature” (Natura Digitalizzata) dove la “Natura diventa arte.” L’idea che sta alla base di tutto è che con la tecnologia digitale si può fare arte nella natura senza danneggiarla.

Fedeli a questo motto Teamlab hanno trasformato il parco in un universo parallelo in cui brandelli di miti e leggende nipponiche prendono vita. Dalle rocce che luccicano, senza mancare di illuminarsi di più se qualcuno si avvicina ( "Sea of rocks of oblivion"), agli alberi che si tingono dei colori dell’arcobaleno (anche loro interattivi. "Resonating Forest - Cherry Blossoms and Maple"). Fino ad una cascata digitale che si infrange su un reale ed antichissimo masso sacro ( "Universe of water particles on a sacred rock"). Ci sono poi due interpretazioni digitali dell’antica arte della Calligrafia ( "Split rock and enso" e "Rock wall spatial calligraphy, continuous life - Five hundreds arhats") ma anche le rovine di una ‘bathhouse’ che rivivono e si trasformano qualcosa a cavallo tra un eco-sistema e un videogioco("Graffiti nature - Living in the ruins of a bathhouse" in cui gli spettatori sono invitati a disegnare fiori o animali che vengono poi scannerizzati ed entrano a far parte della bathhouse in cui si mangiano a vicenda o interagiscono con i visitatori stessi).
L’esposizione di Teamlab è stata sponsorizzata da Shiseido. E proprio in onore dello sponsor è l’opera “WASO tea house”, una casa da tè nelle cui tazze sbocciano e crescono dei fiori virtuali.
Da non dimenticare, infine, la performance ‘Drawing of the water surface created by the dance of koi and boats’". L’opera si svolge in un laghetto la cui acqua è diventata interattiva grazie a dei sensori. Così le carpe koi proiettate sulla superficie seguono la barca che naviga e scappano a seconda del suo procedere (creando appunto dei disegni che ricordano i quadri di Pollock).

Di Teamlab ho già parlato qui (immagini via Teamlab; gift by Designboom)

Teamlab, "Drawing on the water surface created by the dance of koi and boats"

Teamlab, "Universe of water particles on a sacred rock"

Teamlab, "Life is continuous light -Azalea valley"

Teamlab, "Graffiti nature - Living in the ruins of a bathhouse"

Teamlab, "Rock wall spatial calligraphy, continuous life - Five hundreds arhats"

Teamlab, "Cut out continuous life - Forest path"

Teamlab, "WASO tea house - Flowers bloom in an infinite universe inside a teacup"